Фотография: предоставлено Музеем естествознания.

Ваша скульптура в истории искусства, эта крошечная статуэтка высотой чуть более четырех дюймов, была обнаружена в Австрии в 1908 году. Никто не знает, какую функцию она выполняла, но догадки варьировались от богини плодородия до средства для мастурбации. Некоторые ученые предполагают, что это мог быть автопортрет, сделанный женщиной. Это самый известный из многих подобных объектов, относящихся к древнему каменному веку.

Фотография: предоставлено CC/Wiki Media/Филип Пикарт

Этот портрет был символом женской красоты с тех пор, как его впервые обнаружили в 1912 году среди руин Амарны, столицы, построенной самым противоречивым фараоном в истории Древнего Египта: Эхнатоном. Жизнь его царицы Нефертити полна загадок: считается, что она правила фараоном какое-то время после смерти Эхнатона — или, что более вероятно, как соправительница мальчика-короля Тутанхамона. Некоторые египтологи полагают, что на самом деле она была матерью Тутанхамона. Считается, что этот бюст из известняка, покрытый лепниной, является работой Тутмоса, придворного скульптора Эхнатона.

Фотография: предоставлено CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Обнаруженная в 1974 году Терракотовая армия представляет собой огромный тайник глиняных статуй, захороненных в трех массивных ямах возле гробницы Ши Хуана, первого императора Китая, который умер в 210 году до нашей эры. Армия, призванная защищать его в загробной жизни, по некоторым оценкам, насчитывает более 8000 солдат, а также 670 лошадей и 130 колесниц. Каждый из них выполнен в натуральную величину, хотя фактический рост варьируется в зависимости от воинского звания.

Фотография: предоставлено CC/Wiki Media/LivioAndronico

Пожалуй, самая известная скульптура римской древности.Лаокоон и его сыновьяПервоначально был раскопан в Риме в 1506 году и перенесен в Ватикан, где находится по сей день. В его основе лежит миф о троянском жреце, убитом вместе со своими сыновьями морскими змеями, посланными морским богом Посейдоном в качестве возмездия за попытку Лаокоона разоблачить уловку Троянского коня. Первоначально установленная во дворце императора Тита, эта фигуративная группа в натуральную величину, приписываемая трем греческим скульпторам с острова Родос, не имеет себе равных в качестве изображения человеческих страданий.

Фотография: любезно предоставлено CC/Wikimedia/Livioandronico2013.

Одна из самых знаковых работ во всей истории искусства, «Давид» Микеланджело возникла в результате более крупного проекта по украшению контрфорсов великого собора Флоренции, Дуомо, группой фигур, взятых из Ветхого Завета.Дэйвидбыл одним из них, и фактически был начат в 1464 году Агостино ди Дуччо. В течение следующих двух лет Агостино сумел обработать часть огромной глыбы мрамора, высеченной в знаменитом карьере в Карраре, прежде чем остановился в 1466 году. (Никто не знает почему.) Другой художник воспользовался слабиной, но и он тоже только работал над этим недолго. Мрамор оставался нетронутым в течение следующих 25 лет, пока Микеланджело не возобновил его резку в 1501 году. Ему тогда было 26 лет. В завершенном виде «Давид» весил шесть тонн, а это значит, что его нельзя было поднять на крышу собора. Вместо этого его выставили на обозрение прямо у входа в Палаццо Веккьо, ратушу Флоренции. Эта фигура, являющаяся одним из чистейших воплощений стиля Высокого Возрождения, была немедленно воспринята флорентийской общественностью как символ собственного сопротивления города-государства силам, выступившим против него. В 1873 годуДэйвидбыл перенесен в галерею Академии, а копия установлена ​​на прежнем месте.

Фотография: предоставлено CC/Wiki Media/Алвесгаспар

Признанный основоположник стиля верхнеримского барокко, Джан Лоренцо Бернини создал этот шедевр для часовни в церкви Санта-Мария-делла-Виттория. Барокко было неразрывно связано с Контрреформацией, посредством которой католическая церковь пыталась остановить волну протестантизма, охватившую Европу 17-го века. Произведения искусства, подобные работам Бернини, были частью программы по подтверждению папской догмы, и здесь хорошо послужил гений Бернини, наполнявший религиозные сцены драматическими повествованиями.ЭкстазиЭто показательный пример: его сюжет — святая Тереза ​​Авильская, испанская монахиня-кармелитка и мистик, написавшая о своей встрече с ангелом, — изображен в тот момент, когда ангел собирается вонзить стрелу ей в сердце.ЭкстазиЭротический подтекст безошибочен, наиболее очевиден в оргазмическом выражении лица монахини и извивающейся ткани, обертывающей обе фигуры. Будучи одновременно архитектором и художником, Бернини также спроектировал оформление часовни из мрамора, лепнины и краски.

Фотография: предоставлено Метрополитен-музеем/Фондом Флетчера.

Итальянский художник Антонио Канова (1757–1822) считается величайшим скульптором XVIII века. Его работы олицетворяли неоклассический стиль, как вы можете видеть в его мраморном изображении греческого мифического героя Персея. На самом деле Канова сделал две версии произведения: одна находится в Ватикане в Риме, а другая стоит в Европейском дворе скульптур Метрополитен-музея.

Фотография: Метрополитен-музей.

Хотя мастер-импрессионист Эдгар Дега наиболее известен как художник, он также работал в области скульптуры, создав, пожалуй, самое радикальное произведение в своем творчестве. Дега создалМаленькая четырнадцатилетняя танцовщицаиз воска (из которого последующие бронзовые копии были отлиты после его смерти в 1917 году), но тот факт, что Дега одел свою одноименную героиню в настоящий балетный костюм (с лифом, пачкой и туфлями) и парик из настоящих волос, вызвал сенсацию, когдаТанцордебютировал на Шестой выставке импрессионистов 1881 года в Париже. Дега решил покрыть большую часть своих украшений воском, чтобы они соответствовали остальным чертам девушки, но он сохранил пачку, а также ленту, связывающую ее волосы, как они были, что сделало фигуру одним из первых примеров найденного предмета. искусство.Танцорбыла единственной скульптурой, которую Дега выставлял при жизни; после его смерти еще около 156 экземпляров были найдены томящимися в его студии.

Фотография: предоставлено Художественным музеем Филадельфии.

Хотя у большинства людей великий французский скульптор Огюст Роден ассоциируется сМыслительЭтот ансамбль, посвященный инциденту во время Столетней войны (1337–1453) между Великобританией и Францией, имеет более важное значение для истории скульптуры. Заказан для парка в городе Кале (где в 1346 году продолжавшаяся год осада англичанами была снята, когда шесть городских старейшин отдали себя на казнь в обмен на сохранение населения),Бюргерыотказался от формата, типичного для памятников того времени: вместо фигур, изолированных или сложенных в пирамиду на вершине высокого постамента, Роден собирал свои предметы в натуральную величину прямо на земле, на уровне зрителя. Этот радикальный шаг в сторону реализма порвал с героическим обращением, обычно оказываемым таким работам на открытом воздухе. СБюргерыРоден сделал один из первых шагов на пути к современной скульптуре.

Фотография: любезно предоставлено CC/Flickr/Уолли Гобетц

В 1912 году Пикассо создал картонный макет произведения, которое оказало огромное влияние на искусство 20-го века. Также в коллекции МоМА была изображена гитара - предмет, который Пикассо часто исследовал в живописи и коллаже, и во многих отношенияхГитараперенес технику вырезания и вставки коллажа из двух измерений в трехмерные. То же самое произошло и с кубизмом, соединив плоские формы для создания многогранной формы, обладающей как глубиной, так и объемом. Новаторство Пикассо заключалось в отказе от традиционной резьбы и моделирования скульптуры из твердой массы. Вместо,Гитарабыл скреплен вместе, как конструкция. Эта идея будет отражаться от русского конструктивизма до минимализма и далее. Через два года после созданияГитарав картоне, Пикассо создал эту версию из обрезанной банки.

Фотография: Метрополитен-музей.

Итальянский футуризм, от его радикального начала до его окончательного фашистского воплощения, шокировал мир, но ни одна работа не иллюстрировала явный бред движения, чем эта скульптура одного из его ведущих светил: Умберто Боччони. Начав как художник, Боччони обратился к работе в трех измерениях после поездки в Париж в 1913 году, во время которой он посетил студии нескольких скульпторов-авангардистов того периода, таких как Константин Бранкузи, Раймон Дюшан-Вийон и Александр Архипенко. Боччони синтезировал свои идеи в этом динамичном шедевре, который изображает шагающую фигуру, находящуюся в «синтетической непрерывности» движения, как описал ее Боччони. Первоначально произведение было создано из гипса и отлито в привычной бронзовой версии только в 1931 году, то есть намного позже смерти художника в 1916 году в составе итальянского артиллерийского полка во время Первой мировой войны.

Фотография: любезно предоставлено CC/Flickr/Стивом Гутманом, Нью-Йорк.

Бранкузи родился в Румынии и был одним из самых важных скульпторов модернизма начала 20-го века — и действительно, одной из самых важных фигур во всей истории скульптуры. Своего рода протоминималист, Бранкузи взял формы у природы и превратил их в абстрактные представления. На его стиль повлияло народное искусство его родины, которое часто отличалось яркими геометрическими узорами и стилизованными мотивами. Он также не делал различий между объектом и основой, рассматривая их в некоторых случаях как взаимозаменяемые компоненты — подход, который представлял собой решающий разрыв со скульптурными традициями. Это культовое произведение представляет собой портрет его модели и возлюбленной, Маргит Погани, венгерской студентки-художника, которую он встретил в Париже в 1910 году. Первая версия была вырезана из мрамора, а затем последовала гипсовая копия, из которой была сделана эта бронза. Сам гипс был выставлен в Нью-Йорке на легендарной Оружейной выставке 1913 года, где критики высмеивали и высмеивали его. Но это также было самое воспроизводимое произведение на выставке. Бранкузи работал над различными версиямиМадемуазель Поганиоколо 20 лет.

Фотография: предоставлено Музеем современного искусства.

Велосипедное колесосчитается первым из революционных реди-мейдов Дюшана. Однако, когда он завершил работу в своей парижской студии, он действительно понятия не имел, как ее назвать. «Мне пришла в голову счастливая идея прикрепить велосипедное колесо к кухонному табурету и смотреть, как оно вращается», — позже скажет Дюшан. Чтобы придумать готовый термин, Дюшану потребовалась поездка в Нью-Йорк в 1915 году и знакомство с огромным объемом производства фабричных товаров в городе. Что еще более важно, он начал понимать, что создание искусства в традиционной, ручной манере кажется бессмысленным в индустриальную эпоху. Зачем беспокоиться, утверждал он, когда широко доступные промышленные изделия могут справиться с этой задачей. Для Дюшана идея произведения искусства была важнее, чем то, как оно было создано. Эта идея — возможно, первый настоящий пример концептуального искусства — полностью изменит историю искусства в будущем. Однако, как и обычный предмет домашнего обихода, оригиналВелосипедное колесоне сохранился: эта версия на самом деле является копией 1951 года.

Фотография: Музей американского искусства Уитни, © 2019 Фонд Колдера, Нью-Йорк/Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Любимый экспонат постоянной коллекции музея Уитни.Цирк Колдераотражает игривую сущность, которую Александр Колдер (1898–1976) привнес в жизнь как художник, который помог сформировать скульптуру 20-го века.Цирк, созданный во время пребывания художника в Париже, был менее абстрактным, чем его подвесные «мобили», но по-своему столь же кинетическим: сделанный преимущественно из проволоки и дерева.Циркслужил центральным элементом импровизационных представлений, в которых Колдер перемещался вокруг различных фигур, изображающих акробатов, глотателей мечей, укротителей львов и т. д., как богоподобный начальник манежа.

Фотография: предоставлено Музеем Дж. Пола Гетти.

Французского художника Аристида Майоля (1861–1944), художника и дизайнера гобеленов, а также скульптора, лучше всего можно охарактеризовать как современного неоклассициста, который придал традиционную греко-римскую скульптуру рациональный оттенок 20-го века. Его также можно охарактеризовать как радикального консерватора, хотя следует помнить, что даже современники-авангардисты, такие как Пикассо, создавали работы в адаптации неоклассического стиля после Первой мировой войны. Темой Майоля была обнаженная женщина, а вЛ'Эр, он создал контраст между материальной массой своего объекта и тем, как она кажется парящей в пространстве, балансируя, так сказать, упрямую телесность с мимолетным присутствием.

Фотография: предоставлено CC/Flickr/C-Monster

Японская художница, работающая в различных средах, Кусама приехала в Нью-Йорк в 1957 году и вернулась в Японию в 1972 году. Тем временем она зарекомендовала себя как крупная фигура в центре города, чье искусство затронуло многие основы, включая поп-арт, минимализм. и перформанс. Как женщина-художница, часто ссылавшаяся на женскую сексуальность, она также была предшественницей феминистского искусства. Работы Кусамы часто характеризуются галлюциногенными паттернами и повторениями форм, склонностью, коренящейся в определенных психологических состояниях – галлюцинациях, ОКР – от которых она страдала с детства. Все эти аспекты творчества и жизни Кусумы отражены в этой работе, в которой обычное мягкое кресло пугающе поглощено чумной вспышкой фаллических выступов из сшитой набивной ткани.

Фотография: Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, © 2019 Estate of Marisol/ Художественная галерея Олбрайт-Нокс/Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Марисоль Эскобар (1930–2016), известная просто по имени, родилась в Париже в семье венесуэльцев. Как художница она стала ассоциироваться с поп-артом, а затем и с оп-артом, хотя стилистически она не принадлежала ни к одной из групп. Вместо этого она создавала образные картины, которые были задуманы как феминистская сатира на гендерные роли, знаменитости и богатство. ВЖенщины и собакаона берет на себя объективацию женщин и то, как навязанные мужчинами стандарты женственности используются, чтобы заставить их подчиняться.

Фотография: предоставлено CC/Flickr/Rocor

«Коробка Брилло», пожалуй, самая известная из серии скульптурных работ, созданных Уорхолом в середине 60-х годов и эффективно приведших его исследование поп-культуры в трех измерениях. В соответствии с названием, которое Уорхол дал своей студии — «Фабрика», — художник нанял плотников для работы на своего рода сборочной линии, сколачивая деревянные ящики в форме картонных коробок для различных продуктов, включая кетчуп «Хайнц», кукурузные хлопья «Келлогг» и суп «Кэмпбелл», а также ну мыльные подушечки Brillo. Затем он покрасил каждую коробку в цвет, соответствующий оригиналу (белый в случае с Brillo), а затем добавил название продукта и логотип шелкографией. Созданные в нескольких экземплярах, коробки часто выставлялись в больших штабелях, эффективно превращая любую галерею, в которой они находились, в высококультурную копию склада. Их форма и серийное производство, возможно, были данью или пародией на зарождающийся тогда стиль минимализма. Но реальная сутьБрилло Коробкато, как его близкое приближение к реальности подрывает художественные условности, подразумевая, что нет никакой реальной разницы между промышленными товарами и работой студии художника.

Фотография: любезно предоставлено CC/Flickr/Эстер Вестервельд

Имя Дональда Джадда является синонимом минимализма, движения середины 60-х годов, которое превратило рационалистическое направление модернизма в самое необходимое. Для Джадда скульптура означала выражение конкретного присутствия произведения в пространстве. Эта идея была описана термином «конкретный объект», и хотя другие минималисты поддержали ее, Джадд, возможно, дал этой идее ее самое чистое выражение, приняв коробку в качестве своей фирменной формы. Как и Уорхол, он создавал их как повторяющиеся единицы, используя материалы и методы, заимствованные из промышленного производства. В отличие от банок с супом Уорхола и Мэрилин, искусство Джадда не обращалось ни к чему, кроме самого себя. Его «Стопки» — одни из самых известных его произведений. Каждый состоит из группы одинаковых неглубоких коробок из оцинкованного листового металла, выступающих из стены и образующих колонну из равномерно расположенных элементов. Но Джадд, начинавший как художник, интересовался цветом и текстурой не меньше, чем формой, как видно на примере автомобильного лака зеленого оттенка, нанесенного на переднюю поверхность каждой коробки. Взаимодействие Джадда цвета и материала даетБез названия (стек)привередливая элегантность, смягчающая его абстрактный абсолютизм.

Фотография: предоставлено CC/Flickr/Rocor

Как и Бенглис, Гессен была художницей, которая фильтровала постминимализм через, возможно, феминистскую призму. Еврейка, бежавшая из нацистской Германии в детстве, она исследовала органические формы, создавая изделия из промышленного стекловолокна, латекса и веревок, которые напоминали кожу или плоть, гениталии и другие части тела. Учитывая ее биографию, очень заманчиво обнаружить в таких работах, как эта, скрытую травму или тревогу.

Фотография: предоставлено Музеем современного искусства.

Вслед за Джаддом и Флавином группа художников отошла от эстетики минимализма чистых линий. Будучи представителем поколения постминималистов, Ричард Серра поместил концепцию конкретного объекта на стероиды, значительно увеличив его масштаб и вес и сделав законы гравитации неотъемлемой частью этой идеи. Он создавал ненадежные балансирующие элементы из стальных или свинцовых пластин и труб весом в тонны, что придавало работе ощущение угрозы. (В двух случаях монтажники, устанавливавшие детали Serra, были убиты или искалечены, когда конструкция случайно обрушилась.) В последние десятилетия работа Серры приняла криволинейную утонченность, которая сделала ее чрезвычайно популярной, но на начальном этапе она работала как One Ton Prop (House «Карты»), в котором представлены четыре свинцовые пластины, прислоненные друг к другу, с жестокой прямотой выразил свои опасения.

Фотография: любезно предоставлено CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Следуя общей контркультурной тенденции 1960-х и 1970-х годов, художники начали восставать против коммерциализма мира галерей, разрабатывая радикально новые формы искусства, такие как земляные работы. Ведущей фигурой этого жанра, также известного как лэнд-арт, был Роберт Смитсон (1938–1973), который вместе с такими художниками, как Майкл Хейзер, Уолтер Де Мария и Джеймс Террел, отправился в пустыни западной части Соединенных Штатов, чтобы создать монументальные произведения, которые действовали согласованно со своим окружением. В этом подходе, ориентированном на конкретный объект, как его стали называть, часто использовались материалы, взятые непосредственно из ландшафта. Так обстоит дело со СмитсоновскимСпиральная пристань, который вдается в Большое Соленое озеро штата Юта от мыса Розел на северо-восточном берегу озера. Изготовлен из грязи, кристаллов соли и базальта, добытых на месте.Меры спиральной пристани1500 на 15 футов. Он находился под водой на протяжении десятилетий, пока засуха в начале 2000-х годов не подняла его снова на поверхность. В 2017 годуСпиральная пристаньбыл назван официальным произведением искусства штата Юта.

Фотография: предоставлено CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Пьер Метивье

Фирменная работа французского художника.Паукбыла создана в середине 1990-х годов, когда Буржуа (1911-2010) было уже за восемьдесят. Он существует в многочисленных версиях разного масштаба, в том числе монументальных.Паукзадуман как дань уважения матери художника, реставратору гобеленов (отсюда намек на склонность паукообразных к плетению паутины).

Шаттерсток

Лауреат престижной премии Тернера в 1994 году, Энтони Гормли — один из самых знаменитых современных скульпторов в Великобритании, но он также известен во всем мире своим уникальным подходом к изобразительному искусству, в основе которого лежат широкие вариации масштаба и стиля. по большей части по одному и тому же шаблону: слепок собственного тела художника. Это справедливо и для этого огромного крылатого памятника, расположенного недалеко от города Гейтсхед на северо-востоке Англии. Расположен вдоль главной автомагистрали,Ангелвзлетает до 66 футов в высоту и имеет ширину 177 футов от кончика крыла до кончика крыла. По мнению Гормли, работа задумана как своего рода символический маркер между индустриальным прошлым Британии (скульптура расположена в угольной стране Англии, сердце промышленной революции) и ее постиндустриальным будущим.

С разрешения CC/Flickr/Ричард Хоу

Жители Чикаго ласково называют его «Бобом» за изогнутую эллипсоидную форму.Облачные врата, центральный объект паблик-арта Аниша Капура для Миллениум-парка Второго города, представляет собой одновременно произведение искусства и архитектуру, обеспечивая готовую для Instagram арку для воскресных гуляющих и других посетителей парка. Изготовлен из зеркальной стали,Облачные вратаЗабавная отражательная способность и масштабность делают это произведение самым известным произведением Капура.

С разрешения автора и Грина Нафтали, Нью-Йорк.

Работы Рэйчел Харрисон сочетают в себе совершенный формализм с умением наполнять, казалось бы, абстрактные элементы множеством значений, включая политические. Она яростно подвергает сомнению монументальность и связанную с ней мужскую прерогативу. Харрисон создает большую часть своих скульптур, складывая и располагая блоки или плиты пенополистирола, а затем покрывает их смесью цемента и живописных завитков. Вишенка на торте — это какой-то найденный объект, либо отдельно, либо в сочетании с другими. Ярким примером является этот манекен на вытянутой, забрызганной краской форме. Работа в плаще и обращенной назад маске Авраама Линкольна представляет собой теорию великого человека истории, напоминающую завоевателя Древнего мира, стоящего высоко на скале клоунского цвета..